Tableaux et sculptures célèbres ↑
Les tableaux du moins ceux qui ont acquis une certaine notoriété ont l'avantage d'être reconnus par beaucoup; mais cela n'en fait pas forcément une image iconique. L'art n'a pas attendu les street-artistes pour produire des copies, des pastiches ou des détournements. Il existe donc une certaine continuité dans leur utilisation par les muralistes.La Liberté guidant le peuple (détails) ↑
Le Discobole (détails) ↑
La sculpture grecque attribuée à Myron (5e siècle BC), n'est connue que pas ses copies romaines, l'original ayant disparu.
Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard, par Jacques-Louis David (détails) ↑
Cinq exemplaires du tableau ont étés réalisés par le peintre avec de menues variations (essentiellement dans les couleurs). Conçu comme un portrait de propagande, il a été reproduit en grand nombre sur toutes sortes de supports dès le début du 19e siècle. Jacques-Louis David s'est sans doute inspiré de portraits équestres de l'antiquité; le mouvement créé par la position cabrée du cheval et la main tendue de Bonaparte est rempforcé par les diagonales de la scène. Le portrait est héroïque plus que réaliste et véhiculera l'image d'un Napoléon à la conquête de l'Europe.
La reproduction est la seconde version, l'une des trois commandées au peintre par Bonaparte; elle se trouvait au château de Saint-Cloud à la fin de l'Empire. Enlevée comme prise de guerre en 1815 par les soldats prussiens, elle est offerte à Frédéric-Guillaume III et fait partie des collections du château de Charlottenbourg.
La Joconde, par Léonard de Vinci (détails) ↑
Difficile de ne pas voir figurer ici le tableau le plus célèbre du monde. Y référer n'est cependant pas si fréquent pour les street-artistes qui recherchent souvent un effet de contraste.
La Création d'Adam, par Michel Ange ↑
↑ 2020. The Art of Quarantine. Looma for Ministry of Culture and Information Policy of Uktaine. The Art of Quarantine. Galerie Behance. Affiches en vente. Galerie Sakura.
↑ 2020. Dialoguer avec la street art. Site officiel du musée du Louvre.
Blek le rat, C215, Jef Aérosol et d'autres muralistes expliquent l'importance qu'à le Louvre pour eux dans de courtes vidéos.
↑ 2020. Dialoguer avec la street art. Site officiel du musée du Louvre.
Blek le rat, C215, Jef Aérosol et d'autres muralistes expliquent l'importance qu'à le Louvre pour eux dans de courtes vidéos.
Marie, par Giovanni Battista da Sassoferrato ↑
L'image de la mère du Christ est fixée par la tradition et il est difficile d'en retrouver les origines exactes. Elle est réutilisée comme la Joconde (mais plus souvent qu'elle) en contraste, mais aussi en recherche de soutien dans la défense d'une cause. Marie devient un peu la Madone de tous les opprimés.
La représentation mains jointes en prière est assez rare dans l'iconographie chrétienne.
I Spray for You est un pochoir de 2010 et Goin a ses références puisque les mains sont reprises d'Albrecht Dürer.
Goin ne prie pas Dieu, mais prie celles et ceux qui passent devant ses réalisations de réfléchir. Rien n'est peint gratuitement.
La Vierge Marie en prière de EZK dénonce l'asservissement créé par les réseaux sociaux.
Comme les représentations de Marie, d'autres scènes religieuses ont acquis un statut iconique.
Adam et Eve ↑
Ici, nous ne sommes pas face à une image iconique, mais à un récit (celui de la Génèse). La représentation de la consommation du fruit interdit est très présente dans les vitraux des églises ou dans les sculptures de leurs portails avant d'être reprise par les peintres. Les variations restent cependant limitées par un codification très forte. L'image d'Eve tendant le fruit défendu à Adam s'accompagne presque toujours d'une représentation de l'Arbre de la connaissance (celui qui porte les fruits défendus, bien distingué dans la Génèse de l'Arbre de vie) et d'une représentation du serpent lové autour de l'arbre.
Ou du moins les femmes ont-elles plus de reponsabilité que les hommes dans cette transmission ?
Heureusement des féministes se sont penchées sur le mythe pour inverser les rôles. Dans le collage de Marquise, Eve refuse le fruit tendu par Adam...
Marianne (détails) ↑
Les premières représentations d'une femme à bonnet phrygien, allégorie de la Liberté apparaissent dans l'antiquité romaine (Wikipedia).
C215 utilise de temps en temps le bonnet phrygien, qui a pour lui une signification très importante. Il a donné à Marianne les traits de sa fille Nina.
La statue de la Liberté ↑
La Liberté d'Auguste Bartholdi (La Liberté éclairant le monde), offerte par le peuple français aux Etats-Unis d'Amérique pour le centenaire de la déclaration d'indépendance américaine et l'un des monuments les plus célèbres des Etats-Unis inspire tout autant les street-artistes. Bartholdi impressionné par les statues monumentales qu'il découvre lors d'un voyage en Egypte en 1855, imagine peu après une statue située à l'entrée du canal de Suez et jouant le rôle de phare. Elle ne sera jamais construite. En 1871, il cherche à lever des fonds lors d'un autre voyage, cette fois aux Etats-Unis, mais la souscription ne démarre qu'en 1875 en France pour la statue elle même et aux Etats-Unis pour le socle. L'idée d'une structure interne recouverte de feuilles de cuivre est suggérée par Violet-le-Duc. Après la mort de ce dernier, Gustave Eiffel conçoit un pylone métallique susceptible de supporter 64 tonnes de feuilles de cuivre.
La tête est présentée à Paris lors de l'exposition universelle de de 1878, puis, avec de nombreux retards dus aux difficultés financières, la statue complète est assemblée rue de Chazelles devenant à l'époque le plus haut monument parisien. Elle est démontée en 1885, transportée à New York par bateau et remontée en 4 mois en 1886. Elle joue le rôle de phare jusqu'en 1902 et a longtemps représenté la première vision des États-Unis pour des millions d'immigrants européens, après leur traversée de l'Atlantique.
La statue est restaurée en 1984 avec le remplacement du fer de la structure interne par de l'acier inoxydable et l'ajout de matériaux séparant structure et cuivre pour éviter les effets d'électrolyse; la statue est classée la même année dans la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO
Les représentations de la statue de la Liberté endommagée ou détruite constituent un thème iconographique récurrent dès la fin du 19e siècle (Peccatte).
Celle de Goin porte un cheich au lieu d'une couronne solaire et tient la colombe de la paix dans sa main gauche. Le V de la victoire affiché par le majeur et l'index est un autre élément iconique ajouté à l'image; aux Etats-Unis ce V est aussi un signe de paix; c'est un symbole de bienvenue en Asie.
↑ La construction de la statue de la Liberté. Google Arts & Culture.
Patrick Peccatte. ↑ Archéologie de la statue de la Liberté en ruine.
Patrick Peccatte. ↑ Archéologie de la statue de la Liberté en ruine.
La colombe de la paix ↑
Le symbole remonte probablement à l'histoire du Déluge: dans la Bible, une Colombe annonce à Noé le retour des temps plus calmes
A l'automne 2019, Shepard Fairey publie deux affiches basées sur des photographies d'Edward Nachtrieb (et en collaboration avec celui-ci), les profits étant destinés à une association de Hong Kong défendant la presse libre. L'affiche Revolution in you Time utilise la colombe déjà présente dans d'autres oeuvres bien plus anciennes comme le portrait d'Aung San Suu Ki.
Les barbelés des frontières constituent l'auréole de cette madonne et le gilet de sauvetage dégouline de sang; la colombe de l'Espoir et de la Liberté sera t-elle la plus forte ?
A noter que cette fresque utilise une deuxième image iconique en plus de la colombe, celle de Marie, identifiée ici par la couronne d'épine et son attitude de prière. A noter aussi que la veille de Noël 2019 le pape François dévoilait au Vatican une oeuvre constituée d'un gilet de sauvetage suspendu à une croix: «J'ai décidé d'exposer ici ce gilet de sauvetage, "crucifié" sur cette croix, pour nous rappeler que nous devons garder les yeux ouverts, garder le cœur ouvert, pour rappeler à tous l'engagement inéluctable de sauver chaque vie humaine, un devoir moral qui unit croyants et non-croyants.»
Banksy a peint plusieurs fresques sur le "mur de la honte" séparant Israel et la Cisjordanie; sa colombe habillée d'un gilet pare-balle et prise pour cible n'a bas besoin d'exégèse pour nous toucher.
Portraits ↑
Che Guevara
Si les portraitistes sont nombreux, les oeuvres que l'on peut qualifier de portraits iconiques sont rares. Le portrait d'Ernesto Che Guevara photographié par Alberto Korda en 1960 a peut-être tendance à éclipser toutes les autres.A l'époque Korda est le photographe officiel du Che et l'image est prise lors d'un hommage aux victimes de l'explosion dans le port de La Havane de La Coubre, un cargo chargé de munitions. Les Etats-Unis sont présumés avoir organisé l'attentat qui a tué plus d'une centaine de personnes. Bien que publiée deux fois en 1961 par le journal cubain Revolución, la photographie est restée confidentielle jusqu'à la mort du Che en 1967. Le fait que Korda ait abandonné ses droits sur l'image en faveur de la promotion de l'idéal révolutionnaire a alors contribué à sa diffusion. En 1967, Jim Fitzpatrick transforme la photographie par postérisation en deux tons (dans l'affiche diffusée à l'époque l'image est placée sur un fond rouge et l'étoile du béret colorée en jaune). Le procédé de réduction tonale est popularisé à partir de 1963 par Andy Warhol. Les réutilisations de la photographie de Korda et de l'affiche de Fitzpatrick ont donné lieu a des polémiques, mais la reproduction de l'affiche de Fitzpatrick reste autorisée pour un usage non commercial. Facile à reproduire au pochoir, c'est probablement le portrait le plus utilisé par les street-artistes du monde entier comme symbole de la résistance à l'oppression et à l'injustice.
L'image, le regard haut, comme tourné vers l'avenir, comme une idée s'élevant au dessus du monde matériel, est iconique par elle même; mais elle est évidemment soutenue par la vie de celui qu'elle représente, héroïque jusque dans sa mort.
Ernesto Guevara est assassiné le 9 octobre 1969 par les troupes du général dictateur bolivien René Barrientos avec la complicité de la CIA et sans doute de l'URSS. Depuis son départ de Cuba en 1965, il aura dénoncé l'exploitation du tiers monde par les deux blocs de la guerre froide, contribuant à l'image du révolutionnaire incorruptible. Le Che a lui même médiatisé sa vie et fut l'artisan de sa propre légende (cf en particulier le film de Tancrède Ramonet, 2017 produit par Temps Noir).
La version féminine n'est pas la moins utilisée des deux.
↑ Guerillero Heroico. L'histoire de la photographie d'Alberto Korda sur Wikipedia (en).
↑ Graffiti of Che Guevara. Wikimedia.
↑ Che Guevara. Exposition Flickr.
↑ Tancrède Ramonet. 2017. Che Guevara, naissance d'un mythe (La Case du siècle). Temps noir. Documentaire de 52'.
↑ Graffiti of Che Guevara. Wikimedia.
↑ Che Guevara. Exposition Flickr.
↑ Tancrède Ramonet. 2017. Che Guevara, naissance d'un mythe (La Case du siècle). Temps noir. Documentaire de 52'.
Frida Kahlo
L'autre personnalité la plus représentée après ou à l'égal de Che Guevara est sans doute Frida Kahlo. Les muralistes ne font que répercuter une image iconique exploitée voir surexploitée par la société. Les explications sont multiples. D'abord pour les valeurs portées par Frida Kahlo: l'émancipation, le combat (face à des obstacles répétés concernant sa santé surtout), la rupture avec le politiquement correct (révolutionnaire, bisexuelle) mais ensuite parce qu'elle s'est elle même mise en scène (55 autoportraits sur 143 tableaux répertoriés). La vie de Frida Kahlo, comme celle d'Ernesto Guevara est un roman extraordinaire.
Les street artistes ont diverses sources d'inspiration, mais les photographies sont toujours prisées. La plus connue est celle de Nickolas Muray (1939), elle-même reprise sur des couvertures de Vogue (Mexico, Paris) et dans la pose de Selma Hayek pour l'affiche du film Frida de Julie Taymor (2002). Froide et très conventionnelle, ce n'est pourtant pas le meilleur portrait de Frida.
L'affiche réalisée en 2008 par Shepard Fairey pendant les élections présidentielles américaines reprend certains des codes de l'image d'Alberto Corda et Jim Fitzpatrick: réduction des tonalités, regard tourné vers le haut (connoté avec le futur et l'imaginaire).
Les couleurs bleu et rouge représentent traditionnellement républicains et démocrates. Elle est déclinée en trois versions chacune accompagnée d'un des slogans: Hope, Vote, Change. J'ignore si la publication de ces variantes était simultanée ou successive.
En hommage aux femmes afghanes, mais aussi à cet immense photographe qu'est Steve Mc Curry, je termine cette galerie de portraits par les deux exemples qui suivent:
Napalm Girl
Les photographies iconiques qui ne sont pas des portraits sont encore plus rares. Celle de Nick Ut est presque une exception par sa notoriété.
La fillette, Phan Thi Kim Phuc, pleure de douleur: elle vient d'être brûlée (et ses vêtements aussi); nue, ses bras à demi levés constituent un appel; c'est une fillette "crucifiée" qui nous fait face, fuyant son village, Trang Bang, qui reste invisible. Le noir et blanc renvoie à notre imaginaire et apporte une intensité dramatique renforcée par les nuages noirs à l'horizon.
L'image a été légèrement recadrée pour éliminer l'autre photographe situé à droite: il n'apportait rien à l'ensemble et le recadrage place la fillette au centre. En tout cas ce photographe a manqué LA photographie, celle tient tient à une disposition particulière des éléments dans l'espace et dans le temps, un instant unique (il existe un film d'Alan Downes montrant l'événement avant et après cet instant, mais il est bien moins célèbre que la photographie pour la même raison). Et comme pour Mignant Mother le contenu connoté n'est pas exactement celui qu'on imagine: la fillette n'est pas une "ennemie", mais habite un village du sud-vietnamien bombardé au napalm par erreur (et par sa propre armée).
La photographie, intitulée initialement The Terror of War est publiée à la une de nombreux quotidiens américains (le New York Times le 9 juin); elle produit une émotion considérable. L'année suivante elle gagne le Pulitzer Prize et le titre de World Press Photo of the Year 1973. D'aucuns estiment que cette photographie a contribué au retrait de l'armée américaine du Vietnam: comme quoi une photographie peut changer le monde (en fait, elle accompagne surtout des centaines, des milliers d'analyses, de révélations, de manifestations et de faits dont elle devient la représentation, et la guerre ne se terminera qu'avec la chute de Saïgon en 1975).
De la photographie précédente, Banksy conserve la fillette en position centrale; il y ajoute Mickey Mouse et Romuald Mc Donalds, qui représentent les Etats-Unis; tous marchent vers le spectateur dans une sorte de défilé carnavalesque, ce qui conserve toute sa force d'interpellation à l'image. Tout est fait pour opposer les éléments: la fillette pleure, Mickey et Romuald sourient (ils sont même quasiment hilares et de toute façon associés à un signifiant de bonheur et de joie, c'est du moins ce dont Disney et Mc Donald essaient de nous persuader); Mickey et Romuald sont bien plus grands que la fillette; leur coloration discrète les met encore plus en avant; Mickey et Romuald tiennent fermement la fillette par les bras qui devient leur prisonnière: ils sont ensemble sans être ensemble.
Avec cette mise en opposition, Banksy retourne le signifié des mascottes qui, censées apporter bonheur et prospérité, sont transformés en agents maléfiques semant le désespoir et la mort; c'est une inversion symbolique (Manga, 2003: 162, cité par Pleszkiewicz, 2004). La réalisation de Banksy devient dénonciation d'une politique opprimant les peuples et au delà, d'un capitalisme aveuglé par ses profits et détourné de toute humanité et d'idéal démocratique.
La ré-utilisation de la photographie est possible car la fillette de Nick Ut est immédiatement reconnaissable (c'est le propre des images iconiques); les images de Mickey et Romuald sont tout aussi connues. C'est l'une des œuvres les plus émouvantes de Banksy et le résultat est dévastateur (pour le capitalisme).
Une autre photographie qui fait l'histoire est celle de Sam Nizma, montrant un jeune manifestant noir d'afrique du sud agonisant dans les bras d'un de ses camarades.
↑ Tamara Chrystyna Pleszkiewicz. 2004. Analyzing Banksy's Napalm: Exploring the Aesthetics and Ideology of Post-Modernism as Demonstrated Through Graffiti. University of Illinois Urbana-Champaign.
↑ Anne Lesme. 2015. Avatars de Napalm Girl (Nick Ut): variations autour d'une icône de la Guerre du Vietnam. E-rea (Open Edition). DOI: 10.4000/erea.4650
↑ Phan Thi Kim Phuc. Wikipedia (en).
↑ Anne Lesme. 2015. Avatars de Napalm Girl (Nick Ut): variations autour d'une icône de la Guerre du Vietnam. E-rea (Open Edition). DOI: 10.4000/erea.4650
↑ Phan Thi Kim Phuc. Wikipedia (en).
Signifiant et signifié
En paraphrasant Lacan («Le signifié, ce n'est pas ce qu'on entend. Ce qu'on entend, c'est le signifiant. Le signifié, c'est l'effet du signifiant»), le signifié, ce n'est pas ce que l'on voit. Ce que l'on voit, c'est le signifiant. Le signifié, c'est l'effet du signifiant.«L'art au contraire [du langage], ne doit pas simplement se servir de signes, mais donner aux idées une existence sensible qui leur corresponde». Hegel, Esthétique.
Bibliographie
↑ Daniel Arnaud. 2019. Qu'est-ce qu'interpréter une œuvre d'art ? Philosophique DOI: doi.org/10.4000/philosophique.1294
Signifié et signifiant dans l'art.
Signifié et signifiant dans l'art.
